时尚界潮酷骚，居然是靠乐坛撑起？

影形人娱乐 2020-10-31 10:55:11

如近几年说唱网综节目在各大平台上呈井喷式发展，早期的《中国有嘻哈》，到《中国新说唱》，再到今年大火的《说唱新世代》。

嘻哈歌手的穿搭也成为当代年轻人认为最swag的个性，而早在超级女声流行时，选手的服饰也是当时年轻人追捧的时尚。

如此看来，音乐和时尚的关系似乎越来越近了。

除了节目，主流的时装秀也很注意背景音乐的选择，连山本耀司都说过；“天桥时装和流转的模特、夺目的灯光、布景还有熙熙攘攘的人群，是音乐作为纽带将他们捆绑在一起。”

只是音乐与时尚的关系真的这么浅尝辄止么？
答案是否定的。音乐作为最时尚的艺术，对于时尚潮流的“驱动力”不容忽视。

1、不同的音乐，不同的时尚

音乐人的风格往往与他们的服饰风格有着异曲同工之处。小印就带大家梳理一下近几年流行的一些“音乐时尚穿搭”。
近几年最引人注目的大概就是“嘻哈说唱”。
自从2017年《中国有嘻哈》吴亦凡一句“你有freestyle吗”火遍全网开始，中国嘻哈文化发展的脚步就不曾停歇。
无论是开展了四季、坐拥无数老粉的《中国新说唱》，还是新兴却好评如潮的《说唱新世代》，“大金链子、棒球帽、肥裤子”的嘻哈风格都深入人心。不可否认，现在的hip-hop成为了流行的主流元素，嘻哈服饰也是时尚潮人不可或缺的单品。

相较于“激烈”的嘻哈，更平和的民谣也有自己的一套时尚风格。
2014年马頔一首《南山南》不知道唱进了多少人心坎儿里，随后民谣风便开始席卷大江南北，也让民谣风穿搭着实火了一把。

相较于嘻哈风的个性、繁琐，民谣风更倾向于简约、随意。穿上垮垮的T恤、宽松的牛仔裤、一股颓废而不丧气的劲儿，你就是文艺青年本人。当然，摇滚也更是不得不提，摇滚巨星迈克尔·杰克逊风靡全球时靠的也正是他一身代表性的时尚符号。

摇滚作为最疯狂的音乐，装束上也带着浓浓的重金属味。蓬松的长发、夸张朋克的眼线、机械的皮衣紧身的皮裤、尖锐的铆钉，没有一处不在叫嚣着摇滚疯狂的灵魂。

不过摇滚乐种类丰富，仅用皮衣皮裤是无法完全定义的。
同一时期的英国摇滚乐队皇后（Queen）作为前卫金属摇滚乐的代表，则在音乐和造型上融合了传统摇滚、歌剧摇滚、华丽摇滚的特点，引发了“野蛮”却不失高贵古典的摇滚浪潮。

音乐对于时尚的影响更可以见诸于音乐节。
早在1969年伍德斯托克音乐节（Woodstock Rock Festival），这场流行音乐史上最伟大的演出之一，也是美国60年代嬉皮士运动的巅峰，被时尚界尊称为“时尚碎片史”。
当时美国正处于越战时期，白天黑夜都笼罩着恐怖、暴力。
伍德斯托克音乐节便以自由、和平与爱为主题，构建了一个反战的音乐乌托邦。
60年代红极一时的歌星琼.贝兹、“乐队”、保罗.巴特菲尔德乐队、“感恩而死”等都参与其中，打造了一场音乐的饕餮盛宴。

音乐节上，有53万人不远千里而来，其中一多半都是嬉皮士。

他们大都蓄着长发，身穿粗布印染衬衫、印染工装裤，发疯般地随着刺耳的音乐摇晃、呐喊，现场也变成了一场盛大的嬉皮聚会，充满叛逆、向往理想与自由的嬉皮精神在这里得到了真正的体现，嬉皮士运动也在这里进行着最后的狂欢。

嬉皮士风喜爱扎染、波西米亚风、印花刺绣、色彩鲜艳的奇装异服。
他们用音乐与自己不拘一格的服饰风格，向大众展示着不受约束的嬉皮精神。

如果说歌手的音乐是听觉的感受，那么外在的形象则是一种视觉的诠释。音乐是激起人类共鸣的情感奏鸣器，而时尚则是人们包装、展示真实自我的垫脚石。
音乐与时尚的交融，加深了歌手本人的特殊性，更有利于引起人感官上的冲击，塑造出独特鲜明的形象和风格。
而当这种法则被不断的使用，便形成了一种“风格惯性”，使得观众们一看到某一种特定符号，就直接的联系到某一种音乐。

2、音乐和时尚的互利法则
毫无疑问，在这个信息交换敏锐的时代，现代设计师和时尚品牌也逐渐认识到了“融合”音乐时尚的重要性。
他们将音乐融入秀场，甚至以音乐为标榜，延续着音乐和时尚的“并肩作战”。
世界时装日本浪潮的新掌门人山本耀司（Yohji Yamamoto)，就用丰富多彩的音乐奏响了单色的时装交响曲。

与其他服装设计师追求时尚新鲜、复杂多变的设计风格不同，山本耀司一向以简洁而富有韵味、反时尚的设计风格而著称。
如果硬要从他的时装秀中找点儿花里胡哨的东西，那可能就是秀场的音乐了。从爵士、摇滚到小提琴乐，在山本耀司的秀场应有尽有。

不仅如此，山本耀司为了让背景音乐能更好地与自己的服饰风格相融合，甚至亲自作词作曲，推出了多张秀场音乐专辑。如果说山本耀司爱音乐人尽皆知，那作为他曾经的“旧爱”、现今的“竞争对手”川久保龄也对音乐情有独钟？
没错，是真的（大家可以开始磕cp了）。
其实早在30年前，川久保龄所创品牌COMME desGARÇONS 就邀请了音乐人Seigen Ono(小野诚彦）合作，推出了两张另类前卫的专辑《COMME desGARÇONS Volume One》和《COMME des GARÇONSVolume Two》。

可惜这两张专辑并不符合当时流行音乐的潮流，再加上是由时装品牌一手发行，尽管川久保龄从制曲到封面设计都十分上心，这两张专辑最终还是石沉大海。

直到2019年，为了纪念这两张具有历史意义的唱片发行30周年，COMMEdes GARÇONS 决定重制专辑封面，并邀请顶尖设计师井上嗣亲自操刀。这次封面设计也让井上嗣荣获了2019年ADC(Tokyo Art Directors Club)全场最佳。

除了对唱片封面进行改造，COMME des GARÇONS 更是推出了相应的限量款服饰纪念单品，可见川久保龄对其重视程度。为什么时尚大牌们都争先恐后与“音乐”发生联系？
原因在于这二者的“化学作用”不容小觑——音乐往往能够为时尚提供新鲜的“血液”，而时尚则能够为音乐提供新的呈现形式。
正如摇滚、民谣和嘻哈，每一种不同的音乐风格都能够能够帮助品牌以一种更为鲜明的立场和观点，树立自身的形象。
而音乐人本身的风格则是更为“稳定”的，时尚品牌选择那些与自身文化调性符合的风格，将“音乐”作为背书则具有更好的延续性。诸如BURBERRY。

自从1856年创建于音乐之都伦敦开始，Burberry就一直沿用“音乐”作为媒介，甚至一度差点把音乐发展成自己的第二大副业。
最为人们津津乐道的，大概是Burberry在2010年推出的“Burberry Acoustic”（原创音乐人计划）项目，该项目旨在挖掘、培养英国的新秀音乐人和乐队，通过音乐的力量和魅力为百年品牌注入活力。

从Burberry Acoustic计划开始，Burberry不再将音乐演奏仅仅局限在时尚秀场，而是扩展到线上。通过与新人音乐艺术家交流合作，将品牌设计变得年轻化、更加贴合年轻消费者的需求。

现在Burberry也将这些青春洋溢且颇具英伦腔调的原创歌曲放在了官网上，感兴趣的小伙伴只要去点击一下屏幕就可以收听啦！看够了Burberry的诗意和唯美，下面就来点儿不一样的。一起来看看“精灵古怪”的Gucci音乐剧狂想曲。
Gucci2019年春夏系列广告大片，灵感来自四五十年代的好莱坞时尚影片，开头以宏伟复古的歌舞表演将人拉进怀旧情绪，仿佛置身于经典音乐剧。

复古华丽的背景、热情洋溢的气氛、摩登性感的女郎，由Glen Luchford掌镜拍摄，以流光溢彩的画面致敬了音乐剧的黄金时代。
值得一提的是，Gucci在这季企划里，不仅再现了音乐剧的经典场面，而且完美展现了奢华浪漫主义的品牌理念。音乐的加入使得复古经典的风格立即跃然纸上，鲜明而又很有记忆点。由此见之，音乐之于时尚确实是不可获缺、而且往往能够为之锦上添花。而对于音乐人来说，这也无疑是一桩好事。与时尚大牌合作往往能够增加个人知名度，使得个人的风格更为明显。
诸如Lady gaga女士，就以她的奇装异服而闻名，并且频频引发讨论热议。

音乐与时尚的“合谋”无疑都让双方收获了最大的利益。

3、音乐人的“自立门户”
除此之外，近几年音乐人跨界做设计师的话题也越来越受到追捧。音乐人逐渐树立将自己“品牌化”，进入时尚界。
建立个人品牌，对于音乐人来说似乎有着天然的优势。有众多粉丝基础的音乐人，更容易将他人的注意力聚集。而音乐人本身就是一块“移动广告牌”，上台演出时，就是最佳的广告时机。
诸如五月天的阿信，Justin Bieber，都建立了自己的品牌。但在小印看来，不管是流行乐还是嘻哈，音乐人跨界发展，不只是对音乐文化的一种推广，也不只是为了从炙手可热的时尚圈分一杯羹。
音乐人往往将个人性格与音乐风格糅合在一起时，他们更是试图将自己“品牌化”为一个典型的符号。在中国有“山东天后”之称的美国流行歌手蕾哈娜不仅建立了自己的美妆帝国Fenty Beauty，甚至收到了时尚巨头LVMH(Louis Vuitton Moët Hennessy)的橄榄枝，共同联名创建了LV旗下首个独立女性品牌FENTY Masion。

蕾哈娜品牌的组建，就融合了其个人观点态度，极有个人的风格。
由于蕾哈娜个人向来尊重多元文化，因此FENTY Masion也体现了对不同身材类型的欣赏，为体态丰盈的女士准备了更多大码以供选择。
另外，FENTY Masion还不定期上线新品，并采取“即看即买”的展出模式。
品牌便以“时尚界多元化的丰富和时装新兴购买模式的探索”作为重要的立足点。

而在嘻哈圈，美国著名饶舌歌手A$AP Rocky（拉基姆·梅耶斯）则与自己所在的嘻哈集体A$APMOB一起创建了时尚街头品牌VLONE。
这位被认为是欧美嘻哈潮流圈的标杆人物，本身就以他“宽大的肥裤子搭配一双经典的高帮Nick”的经典装扮火遍欧美。
浓浓的街头old school风形成了地道的嘻哈穿搭标签。