日本动画的未来由它们创造：大卫社篇

越来越被世界瞩目的日本动画都是怎样制作出来的呢？日本动画网站「アニメ！アニメ！」联合「Tokyo Otaku Mode」、「Bahamut」做了题为《这些制作出世界瞩目日本动画的工作室正在开创未来》的大型企划，采访到诸多日本知名动画公司和动画人。本次渣翻采访的对象，是制作去年大热的科普向作品《工作细胞》的大卫社。当然他们的《JOJO》系列也十分厉害。两部作品反差很大，但都深得原作粉支持，动画化居然能让如此多的原作粉认可，可以说非常不易。所以这其中的秘密是什么呢？

做出《JOJO》《工作细胞》的大卫社，让原作粉丝都叫好的秘诀是？

davidproduction代表作：《JOJO的奇妙冒险》、《工作细胞》、《天堂餐馆》等。

由动画制作工作室davidproduction（以下简称大卫社）制作的TV动画《JOJO奇妙冒险》系列，是一部能让挑剔的原作粉都赞不绝口的作品，甚至被给出“完美再现原作魅力”的超高评价。仿佛是直接让原作漫画动起来一般，大卫社是如何做到如此程度的动画化的？保留原作原汁原味的演出手法又从何而来？大卫社的社长是曾经担任过GONZO代表的梶田浩司。他离开GONZO后，在2007年和志同道合的朋友们创立了大卫社。本次采访除了请到梶田浩司，还有和他一起从GONZO出走的、也是《JOJO的奇妙冒险》系列的制作人笠间寿高。

梶田浩司（左），笠间寿高（右）

带着诚意回归到作品本身

——从GONZO独立出来的时候，有考虑过想成立一家什么样的工作室么？

梶田：在从GONZO出来之前，会有一些还没确定好作品的方向，为了遵守季度预算不得不硬着头皮开始做的情况，其实明明还可以把故事讲的更好。那时候每天都看粉丝们的反馈，然后都做反省。通过这些经历，我想做出改变，回到“好好做动画”这个原点，建立一家能真诚面对作品的工作室。

——笠间老师也是大卫社的创立成员之一，您当时想和梶田老师一起做动画的契机是什么呢？

笠间：我当时也在一线的制作现场，和梶田有同样的感受，于是就加入他了。为了实现梶田的理念，也就是“在手能碰及的范围内，尽可能打好基础”，我想去探索该如何面对参与制作的同仁、以及制作动画这件事本身的方法。正如“回归到原点”这句话，我们真的是从一间公寓的一个房间里开始的（笑）。因为榻榻米上放着作画们用的桌子，负责制作的这部分人连办公桌都没有，都围坐着用被炉，大卫社的起点就是在一个手能碰到的环境。

我们的武器是透彻研究原作和挑战精神

——大卫社成立之后，直到在2009年的《天堂餐馆》成为元请制作，这中间经历了什么样的艰辛？

梶田：刚创社的那两年，与其说艰辛，倒不如说是为了将来而努力的学习期。在业界前辈们的教导下，学到了很多与制作相关的思考方式和方法论。也去了很多制作公司的同仁那里拜访，在工作中得到了锻炼和指导。

笠间：从对日程进度的控制到对作品质量的讲究，不同公司的想法和做法竟会如此不同，我们确实从中学到不少东西。在此基础上，所谓“大卫社的生产方式”，我给出一个我自己的想法——所谓专业，就应该根据作品本身和需求方的需求，以最合适的方式制作，最好不要被统一的格式束缚。

——也就是说，以观众的视角看待作品很重要吧，这个理念在《JOJO》系列里贯彻的非常明显。所以对于大卫社来说，可以称为武器的是什么？

梶田：如果要动画化一部作品，首先必须彻底的了解这部作品，比如原作受欢迎的点是哪些，为什么能持续这么久之类的。支持原作的粉丝是什么样的人，这部分需要监督、制作人员、还有本身就是原作粉丝的工作人员一起讨论，以头脑风暴的方式开彻底的学习会，这种会要重复的开。好好理解原作是第一步。

笠间：做到这些还不够，那就变成仅仅是“原作的追踪”了。在做《JOJO》的时候，我们在读懂原作的基础上，建立起来的是“粉丝心目中的《JOJO》”。实际上，《JOJO的奇妙冒险》（原作第1部、第2部）、《JOJO的奇妙冒险星尘斗士》（原作第3部）并不是原作那样的画风，而是在对JOJO的形象有印象之后摸索出来的。具体来说，拿出一个粉丝印象最深刻的原作第3部以后的作品特征，无论此时在看哪一季，这个特征都和动画的人设、画面设计等等对得上。动画虽然要以原作为依据，不过也有原作中实际没有的场面。我还听到一些反馈，有人是对比过后才惊讶的发现居然有些场面和原作里不一样。我们要做出“附加价值”，就是像这样“存在在粉丝们心中的，他们想要看到的映像”的东西。这不仅限于《JOJO》，所有有原作的动画都一样。

梶田：再补充一点，不要做一样的东西，必须做有新意的东西。《JOJO》是在不断啪啪换台的时候，一瞬间能让人看到的那种动画，我们就是以此为命题进行视觉开发和确定演出方法的。各种各样的评价里，核心的是“是不是真的有奇妙感”，我们确实也收到了这样的评价。而另一部TV动画《工作细胞》的开发理念，是像在类似迪士尼或者趣志乐园那样的游乐公园，观众们跟着片中工作着的细胞们一起，体验身体内发生的各种各样的事情。因为背景是人体，所以天空一定要是粉色的，像靠近皮肤有光反射出的颜色。这个主意是我们的工作人员提的。

笠间：提点子的这位当时还问我，“这样做可以么？”，“如果觉得挺有趣的，我就和其他人商量一下”。像这样，一部作品才会越来越有意思。果然大家都是抱着“自己想要在动画里做点什么”的意志进入业界的，我觉得这个提议就很有价值。保持作品风格的框架是监督或者我们来准备的，然后在这个范围内，我们鼓励大家说出自己的想法，制作人这边会大力支持。

梶田：我总是在说，“不要放在一边不管，哪怕只有一个也好，加点新想法吧。运气好的话效果应该会不错”。

笠间：虽然最好是不要失败，但是我们的想法是，与其什么都不做不如做点什么，哪怕是向前倒下。在公司不倒闭关门的边缘内，尽情去挑战（笑）。

转向全数字化作画

——虽然说在成立当初说了要“舍弃数码”，现在反而是“全数字作画”的制作体制成为大卫社的特色，转变是什么原因促成的呢？

梶田：我和笠间，都经历了从赛璐珞向数字化时代转变的经验，所以我们认为作画也必然会走向数字化。变得十分要紧的是制作人员的培育，以及一边接触机器和软件，一边考虑怎样才能做到更有效的利用开发。一直到2009年，数字化作画室室长宇治部正人率领的团队组建完毕，开始向全数字作画转移。目前我们正在引进使用新加坡公司开发的叫“CACANi”的2D动画制作软件，它能够自动生成中割画面。两三年前这个软件在日本销售的时候，因为bug多很难用，所以并不没有普及起来。但是宇治部却一直悄悄在用，并且还在报bug以及提机能需求，而对方也做了很不错的修正，优化在一点点的进行，最终软件性能提高了。

——那么在员工的培育方面，做了哪些呢？

梶田：从一开始就用数字化作画。以前我会觉得现在纸上手绘磨练技术，然后再转去数字作画的方式可能会好一些，但是后来发现手绘线条的引力太强，反而会削弱捕捉三维立体人物的能力。说点不怕被人误解的话，考虑“动画”的时候，要把画面当作“素材”。如果是从数字作画开始，面对自己画的部分被用在其他地方，或者在演出中被各种方式使用，好像接受起来也会更容易一些。反过来，如果是需要有他人协力的作品，现在做动画通行的分工模式已经不适宜了，映像制作应该有意识的向这种模式转变。用了三年左右的时间，我们把透写台全部换成了液晶平板。而且不仅是分镜和作画要数字化，映像方面也要进化，所以还新成立了CG部门。我认为2D、3D以及VFX的界限今后会变得越来越模糊，而且必须越来越模糊。目前用到CG的部分主要还是交给外包或者协作，但是为了做出能够动人心弦的动画，还是需要我们自己的监督和演出加入进去。CG部门从成立到现在并没有多长时间，但是效果已经开始慢慢显现了。

——全数字化分别有哪些优缺点呢？

笠间：全数字化的好处大致有两个。其一是降低了时间成本，营造出一个更能集中于作画的环境。信息共享也更容易，因为联络和传达造成的失误也少了。有人觉得全数字化还是不错能，能削减与动画质量本身没有直接关系的成本和时间。另一点是让各部门的工作人员在同一软件上工作，大家有了“为同一个作品制作素材”的意识。原画、动画、背景、CG等等，跨部门间的那种抵抗感一下子减少了，衔接变得更加顺畅。每个工作人员如果都能轻松的用数字化完成作画，会变得以更宏观的角度专心于自己的工作。要说缺点的话，由于业务的边界更模糊自由度更高，制作流程会变得复杂化一些。

梶田：虽然复杂了，还是有越来越多的人想尝试，分镜的数字化也在推进中。以数字化为核心，让诸多创作人员顺畅连接，合作变的更紧密，每天我都能感受到这种感觉在不断加深。还有人在使用动画软件时，尝试自己做编集配音乐，提出新提案。被动进入数字作画领域的人可能会受点打击（笑），希望他们能充分利用数字化的优势，迎接更多挑战。

——为了创造数字化的环境，平时会注意哪些问题呢？

梶田：迄今为止，从我们的经验来看，目前的制作体制已经算是完成了。数字化让分工的界限更模糊而且还经常发生变化，要把投资花在附加值最高的地方，如何创立这个方向的制度是个挑战。我自己也意识到，要与工作室内外加强交流，不管怎么说先直接听听别人的感想。比如《工作细胞》在中国反响很大，自上线以来在bilibili的播放量达到了1亿4千万。去中国出差的时候，不管到哪里这件事都能成为话题，我就问其他人“这部作品到底有趣在哪里”，得到了和我自己的想法完全不同的回答，非常有参考价值。在诸多萌系或者幻想系的作品中，《工作细胞》以人类的身体内部为背景、将细胞拟人化，是可以让动漫迷以外的一般群体也能乐在其中的珍贵题材，所以才会广受好评。

有些感觉在全世界是共通的，如果能把视点转向普通层观众的企划做好，向海外推广也会变得顺利。从这个方面来说，《工作细胞》是一部让我十分感激的作品。

用动画的力量给地球带来元气

——大卫社有什么目标么？

梶田：如果说的是要高举起的那种理念，是“要用动画的力量创造出地球上的元气”。我们毕竟是制作动画的工作室，所以希望尽全力总能做出有趣的作品，也希望各路观众因为看到我们的作品而变得有元气起来。这个理念包含的东西也不仅仅是这些。真诚的面对作品，制作时怀有贪婪之心，才能投入感情磨练出技艺。能让观众从中感受到乐趣，一部作品才会成为“好的商品”卖出价钱。如果是给海外的定制作品，配信也好流媒体播放也好，逐渐形成模式带来商业方面的变化。各种各样的手段让经济焕发活力，地球也会有元气的吧（笑）。作为动画工作室，技术和人才的革新是经常需要面对的，但是无论什么时代大家都把做出能带来快乐的作品视为目标。让优秀的作品作为“商品”出现在大众面前，并且获得应有的商业收益，这是所有在动画业界有追求的人的梦想，我也希望大卫社能成为这样的企业。

笠间：我的话，是希望做出能让大家记住的作品。我自己从各式各样的娱乐活动中获得了乐趣，不仅仅局限在动画，所以作为回馈，我希望我能留下一些东西。不是当年生产当年消费完就结束的那种，而是做出十年后还是能被人想起来的作品，这是我最重要的目标。

梶田：笠间总是在不断挑战，一直踩着油门（笑）。

笠间：但是要设立CG部门的话是梶田说的，只有我提不可能能成的。作为制作方面的一个巨大挑战，我们正致力于让2D和3D融合的新制作方式，目标是做出充分利用两者优势的作品。

梶田：现在正在进行中的是将在2019年播出的TV动画《偶像梦幻祭》，其中很多唱跳画面使用了CG模型，想表现出与其他同类作品稍微不同的特征。太详细的不能说了，总之我们正在一生悬命的接受挑战，会为粉丝们带来一个从未见过的融合2D和3D的唱跳场景。以融合2D和3D为理念，可以说是一次踩着油门的挑战了。

——最终会呈现出什么样的画面，很让人期待。最后请在跟粉丝们说几句吧。

笠间：想带来给观众留下痕迹的作品，当然是好的痕迹。我们也会继续为《JOJO》系列而努力，敬请期待。

梶田：我们会尽可能的创作让人兴奋的作品，让参与制作的工作人员快乐，也让观众们的生活更加丰富，请大家一定要继续支持我们。